Iñaki Domingo
Iñaki Domingo es un tipo delgado, muy delgado. Coordinador de publicaciones de Ivory Press -la editorial de Norman Foster y Elena Ochoa-, su labor como fotógrafo acumula diversos premios -INJUVE, Descubrimientos PhotoEspaña, becado en la Joop Swart MasterClass de World Press Photo- y ha expuesto en numerosas galerías internacionales. Iñaki es un tipo que va hacia arriba y, a la vez, hacia dentro. Quizás por eso le conviene mantenerse tan delgado.
Pronto impartirá un taller de fotografía en LENS: El intramundo, un ejercicio de búsqueda que pretende promover el uso de la fotografía como herramienta de búsqueda y narración de un universo propio. A lo largo del taller se realizarán ejercicios de aproximación a un lenguaje personal, se analizará el método y las herramientas de trabajo de diversos autores que poseen una voz narrativa característica, y se debatirá sobre los proyectos presentados por los participantes. Creemos que es el taller más contemporáneo -y sin duda uno de los más potentes- de esta temporada.
De todos modos, menos palabras y más fotos: dejemos que sean sus proyectos los que le presenten.
Mi madre
Cuando tenía 13 años, mi madre sufrió un derrame cerebral a causa de un accidente de coche. Desde aquél momento, mi vida dio un giro violento y mi adolescencia se esfumó instantáneamente. Durante los nueve años que duró su enfermedad observé desolado e impotente como iba degenerando progresivamente, perdiendo capacidades y haciéndosele indispensable la ayuda de terceros. A pesar de haber perdido su facultad para el habla, yo necesitaba seguir comunicándome con ella, y encontré en la fotografía un buen medio para acercarme a su propio universo. Comencé a fotografiar su rutina diaria, sus actos cotidianos, sus comidas, sus paseos, sus baños, sus descansos. Pero más allá, sobre todo fotografiaba su mirada inquietante, intentando llegar al interior de su persona través de ella. De estos años de convivencia con su enfermedad surge en mí la necesidad de realizar este proyecto, como medio para exteriorizar un cúmulo de sentimientos y reflexiones guardados por este tiempo; quizá en una búsqueda desesperada de respuestas a preguntas que no las tienen.
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Iñaki Domingo - Mi madre
Primer encuentro
Que la palabra “sexo” sea la más buscada en Internet define el contexto socio-cultural en el que vivimos. La sociedad nos enseña a consumir y desechar rápida, incesantemente. Y el sexo es un ámbito en el que detecta esta actitud.
El incremento espectacular de contactos a través de Internet así como el fácil acceso a contenidos sexuales de todo tipo, originan la creación de estereotipos de belleza artificiales. Estas prácticas, además, son un modelo de educación sexual para determinadas capas sociales. El fenómeno incide sobre todo en adolescentes, interfiriendo en sus relaciones personales y generando patrones de relación ficticios.
La sociedad de la imagen nos acostumbra a un bombardeo visual constante, por eso este proyecto pretende ser un ejercicio de economía, usando la apropiación, la reutilización y la resignificación de imágenes ya existentes.
Iñaki Domingo - Primer encuentro
Iñaki Domingo - Primer encuentro
Iñaki Domingo - Primer encuentro
Iñaki Domingo - Primer encuentro
El ojo en la llaga
El sentimiento del proyecto no se limita a definir lo bello o lo siniestro. Objetos y contextos que carecen de armonía y justa proporción estética entre las miradas convencionales, se prestan a nuevas interpretaciones donde los elementos que los componen pueden ingresar en el terreno de la sensibilidad por el mero hecho de revelarse reales durante la ficción. Así, se da a conocer lo inhóspito y desasosegante que se intuye más allá de la belleza.
Iñaki Domingo - El ojo en la llaga
Iñaki Domingo - El ojo en la llaga
Iñaki Domingo - El ojo en la llaga
Iñaki Domingo - El ojo en la llaga
Iñaki Domingo - El ojo en la llaga
Vïa de la Cruz
Desde mi infancia, la casa de la calle Vía de la Cruz, en Mallorca, era el lugar en el que mi familia pasaba las vacaciones de verano. Era un espacio, físico y mental, que nos permitía aparcar las preocupaciones del resto del año y dedicarnos a las cosas sencillas de la vida: tomar el sol, reír, compartir comidas, bañarnos, pasear juntos, descansar… El verano pasado tuvimos que vender la casa. Estas imágenes son fruto del último viaje que realicé junto a mis hermanas a aquél lugar. El espacio no era relevante en sí mismo, pero sí todos los recuerdos que en él se contenían, la memoria de mi infancia, de la que soy heredero.
Iñaki Domingo - Vía de la Cruz
Iñaki Domingo - Vía de la Cruz
Iñaki Domingo - Vía de la Cruz
Iñaki Domingo - Vía de la Cruz
Iñaki Domingo impartirá un taller en LENS los días 4 y 5 de febrero de 2012: El intramundo. Su mundo y el nuestro.
Manuel Álvarez Bravo: Sin lo invisible, la obra de arte no existe
Manuel Álvarez Bravo - Caballo de madera, 1928-29
Manuel Álvarez Bravo: Sábana caída
Lo invisible siempre está latente y patente en una obra de arte que lo recrea. Si en ella no se puede ver lo invisible, la obra de arte no existe.
Manuel Álvarez Bravo, fotógrafo mexicano, citado en Historia de la Fotografía. De 1839 a la actualidad (Taschen)
Brassaï: El hecho más cotidiano conduce a lo extraordinario
Brassaï - Casa de ilusión 1933
Yo no invento nada, lo imagino todo. Nunca he buscado objetos exóticos o sensacionales en sí mismos. La mayoría de las veces he obtenido mis imágenes de la vida cotidiana que me rodea. Creo que esta es la más sincera y humilde apreciación de la realidad; el hecho más cotidiano conduce a lo extraordinario.
Brassaï (1899-1984)
Sidney Grossman: Ver las viejas cosas en nuevas formas y con nuevos significados
Sidney Grossman: Mulberry Street, 1948
La cuestión del naturalismo es una falacia, no existe… La imagen fotográfica sustituye a la experiencia de la naturaleza.
[...]
La fotografía misma como un acto de vivir, un modo de incrementar su conocimiento del mundo, viendo las viejas cosas en nuevas formas y con nuevos significados.
[...]
La estética no existe como una entidad aislada para la cámara. La estética, de hecho, es inseparable del propósito del fotógrafo y del uso que él hace de su tema. Cuando la fotografía fracasa… normalmente es porque ha impuesto una falsa separación entre la forma y el contenido.
Sidney Grossman, miembro de Photo-League y director de su escuela de fotografía, citado por Mary Panzer en “This is the Photo League” (Aperture Fall 2011)
Exposición en el Museo Judío de Nueva York, hasta el 25 de marzo de 2012: The Radical Camera: New York’s Photo League, 1936-1951
Los 10 artículos más vistos del 2011
Para acabar el año os dejo una lista con los artículos más vistos de este blog durante el 2011. Espero que os gusten.
10. El fotoperiodismo según Mr. Smith:
Palabras y fotografías de W. Eugene Smith, el maestro del reportaje gráfico en las revistas de posguerra.
Un delicioso texto de Edward Weston con algunas claves para profundizar en nuestro aprendizaje de la fotografía.
8. El relato fotográfico según Cartier-Bresson:
El primero de los dos textos del fotógrafo francés que se han colado en esta lista.
7. Ricky Dávila:
Textos y fotografías de un gran fotógrafo que sabe dar en el clavo con sus palabras tanto como con sus fotografías.
6. Takuma Nakahira – For a language to come:
Este libro de culto de la fotografía japonesa nos sirvió para inaugurar el 2011.
Un repaso a la trayectoria del fotógrafo italiano, con motivo del taller que impartió en LENS.
4. Hacia una filosofía de la fotografía:Los escritos de Vilem Flüsser, más vigentes que nunca en la era digital.
3. La composición según Cartier-Bresson:
Las palabras del padre del instante decisivo, decisivas en este blog.
2. Adam Fuss:
La expo más impactante del 2011 provocó este texto que a su vez fue el germen del artículo publicado en FronteraD.
Las palabras de S. Hartmann en 1904 han sido lo más visto de este blog. Y lo que ha llovido desde entonces…
En total, 47009 visitas durante el año 2011. Es hora de pasar página. ¡Un abrazo y a por el 2012!
Conversaciones con fotógrafos: Bernard Plossu habla con Juan Manuel Bonet
Bernard Plossu: La gente, cuando se hace mayor, pierde el entusiasmo de la juventud y de querer ver, por ejemplo, ¡todas las películas de Carl Dreyer! Yo procuro no perder el interés, y tú tampoco, por el trabajo de los demás. Aquí hay una llave, no se trata únicamente de estar enamorado de tu propio quehacer.
Juan Manuel Bonet: Eso es curiosidad.
BP: Y una forma de amor, de entender que no estás sólo en el mundo. O estás celoso o estás enamorado. Creo que son dos maneras diferentes de vivir.
[...]
BP: La fortuna de trabajar como fotógrafo profesional me ha dado experiencia suficiente para saber que la fotografía es un trabajo, no un arte. Me dan miedo los jóvenes de ahora que quieren ser artistas inmediatamente. Eso es muy peligroso.
[...]
BP: Hubo un caso en que una mujer me publicó 15 fotos en una revista de poesía en Japón. No me la quería mostrar, y yo le comentaba que estaba seguro de que el resultado no podía ser tan malo. Cuando por fin me la enseñó me di cuenta de que la impresión era terrible, pero le dije: “Es la mejor publicación de mi vida, es una maravilla”, porque se adecuaba perfectamente a mis fotos. La reproducción del barco en el puerto de Marsella era muy mala, pero a mí me encantaba. Hay veces que resulta engañoso utilizar un papel demasiado bueno. Es como poner demasiado passe-partout. ¡Lo que importa es la foto! Me incomodan los fotógrafos que intentan conseguir una estética aparentemente poética, enmarcando las fotos en bordes negros irregulares, de aspecto descuidado, como si fueran márgenes de Polaroids… Algunos fotógrafos de moda lo hacen, es moda que quiere parecer arte. Hay que tener cuidado con los trucos y saber ver sin ellos. La realidad es más difícil, y es la llave de todo.
Eliot Porter: Cuanto más se miran las cosas, más se ve
Se aprende a ver cosas con la práctica. Es como el tenis, se juega mejor cuanto más se juega. Cuanto más se miran las cosas, más se ve. Cuanto más se fotografía, más se comprende lo que puede y lo que no puede ser fotografiado. Hay que seguir haciéndolo, simplemente.Eliot Porter - Estanque
Recibo consultas de jóvenes que se interesan por las copias en color, y que me dicen: “Me gustaría venir y que usted me enseñara a hacer copias en color”. Les digo que la forma de hacerlas es conseguir los materiales y comenzar a hacerlas. Está todo debidamente escrito por la Eastman Kodak. Realmente no necesitan otra guía que esa. Pero quieren cortar camino. Quieren el éxito inmediato. Lo he notado una y otra vez, y me parece algo inquietante. En cierto sentido, es pereza, ya sabe. Tienen poco más de veinte años, tienen mucho tiempo, tiene la vida por delante, así que pueden aprender a dominar un proceso si son diligentes y trabajan en él. Pero no quieren hacerlo; piensan que hay algo misterioso en ello. Leer el resto de esta entrada »
W. Eugene Smith: Soy un cínico dotado de compasión
Creo que el fotoperiodismo es fotografía documental con un propósito. Creo que lo único erróneo de la palabra “documental” es que da a algunos la idea de que se puedan hacer fotos absolutamente aburridas de los ingredientes de algo, en lugar del corazón de algo.W. Eugene Smith: Mineros
[...]Soy un cínico dotado de compasión.[...]Un periodista debe comprender minuciosamente su tema, y hay que tratar de interpretar ese tema, respetando lo que es. Creo que Bob [Robert Frank] fotografiaba sólo para sí mismo, enteramente ajeno a si respetaba el tema o no. [...] Es tan artista como cualquier otro fotógrafo, pero creo que yo también soy tan artista como cualquier otro fotógrafo. Cuando tenía 19 o 20 años, me preocupé un poco de eso y hasta escribí que había en mí mismo una constante batalla entre el artista y el fotógrafo. Pero eso fue cuando era joven. Ya no tengo conflicto alguno, porque para ser el mejor periodista que pueda ser, tengo que ser el mejor artista. [...] Tengo que considerar el tema, y tengo que respetarlo y encontrar la forma de presentar la verdad, también ante mí. Creo que es mucho más difícil ser un periodista-artista que ser un artista libre que no tenga tal responsabilidad.
Wynn Bullock: La luz es la verdad más profunda del universo
Aunque creo aprender más de pintores, filósofos y hombres de ciencia que de los fotógrafos, nunca tuve la tentación de ser algo más que un fotógrafo, porque de eso se trata la fotografía: es un medio expresivo de la luz. No lo he racionalizado. Creo que mi interés por la luz fue natural desde el mismo principio.
Wynn Bullock: Child in Forest,1951
Creo que lo único que he obtenido de mi trabajo comercial, aparte del dinero, fueron las oportunidades de experimentar técnicamente. Mi obra personal ayudó a mi obra comercial, igual que ésta ayudo a aquella. Mi obra personal educó a mi ojo. Hacia el final de la época en que estaba haciendo trabajos comerciales, descubrí que solía colocar la cámara y casi inmediatamente sabía lo que quería tomar. Ése fue el entrenamiento de la mirada, conseguido con mi obra personal.
Minor White: Fotografía y presencia
-Yo pregunté si podría ser fotógrafo, y Stieglitz me preguntó: “Oye, ¿has estado enamorado alguna vez?”, y yo contesté: “Sí”, y él dijo: “Entonces puedes ser un fotógrafo”.Fotografía: Minor White
[...]Strand, Stieglitz, Weston y Ansel me dieron exactamente lo que yo necesitaba entonces de cada uno: la técnica de Ansel, el amor de Weston a la naturaleza, y de Stieglitz la afirmación de que estaba vivo y de que podía fotografiar. Esas tres cosas fueron muy intensas.[...]Una persona puede experimentar las cosas por lo que son y puede profundizar lo suficiente en lo que está detrás de toda forma. Cuando lo encuentra, desde luego, encuentra a su Creador. Puede llamarlo sagrado, puede llamarlo experiencia, lo que sea. La experiencia última de algo es la comprensión de lo que hay detrás de ello.
La literatura de la fotografía
Creo que el interés de los estudiantes por la fotografía se debe a que han crecido en un mundo de imágenes. Estamos aprendiendo qué es la fotografía, y la analogía que puedo usar se refiere a la técnica de la escritura. Existió un periodo en nuestra historia en el que el hombre que sabía escribir era un hombre muy especial, ya que quienes podían leer y escribir estaban en minoría. Ahora, en general, toda persona de nuestra cultura sabe escribir. [...] Hemos llegado a comprender, a través de los siglos, que escribir es una técnica que se puede utilizar de cien maneras diferentes. Puede ser usada para informar objetivamente las noticias, o para expresar en poesía los pensamientos más recónditos. Cabe emplearla para enviar mensajes y comunicaciones. Hoy, cuando decimos que un hombre es un escritor, estamos hablando de una persona especial, de un artista. La lista de compras de mi ama de llaves no puede ser comparada con un poema de Dylan Thomas. En fotografía, no hemos aprendido aún a separar. Cualquiera puede tener una cámara, cualquiera puede hacer una foto. A la gente se le dice que la fotografía es simple, pero lo cierto es que la fotografía, por ese mismo motivo, es tremendamente difícil. Y es ahí donde tenemos que luchar. No podemos aceptar como literatura el trabajo de los periodistas, excepto alguna vez; ése es el caso con Cartier-Bresson y con Eugène Smith. Pero lo malo es que se cree que preocuparse por la gente es lo que convierte en arte a la fotografíak. Eso no es cierto. Hay un sitio para eso, hay un sitio para las columnas que Ernest Hemingway enviaba desde Europa al Daily Star de Toronto. Eso es parte de la literatura. Quizás estemos llegando al punto en que podamos reconocer la “literatura” de la fotografía.
Beaumont Newhall, entrevistado en 1975 por Paul Hill y Thomas Cooper: Diálogo con la fotografía (Gustavo Gili)
El camino del artista
El arte es una transacción espiritual.
Los artistas son visionarios. Nuestra práctica habitual se basa en la fe: vemos con claridad un objetivo creativo que resplandece en la distancia y nos movemos hacia él a pesar de que, por visible que sea para nosotros, quienes están a nuestro alrededor no lo ven. Aunque sea difícil recordarlo, es nuestro trabajo lo que crea el mercado, no el mercado lo que crea nuestro trabajo. El arte es un acto de fe y el modo de practicarlo es haciendo arte. A veces nos obliga a hacer peregrinajes y, como muchos peregrinos, dudamos de haber sentido la llamada al tiempo que respondemos a ella. Porque no hay duda de que respondemos a ella.
Henri Cartier-Bresson: La fotografía como vicio solitario
Profundamente emocionado, insisto en decirles hasta qué punto soy sensible al desvelo que le han consagrado al acto de nuestro gran dedo masturbador de obturadores unido al agente perturbador que es nuestro órgano visual [...].
Con todos mis agradecimientos, antes de poner mis pies de reportero en polvorosa, les ruego que acepten el homenaje de un fotógrafo arrepentido.
Henri Cartier-Bresson: Respuesta a una invitación para un coloquio sobre el acto fotográfico (1982), en Fotografiar del natural (Editorial Gustavo Gili)
Henri Cartier-Bresson: Mi problema es estar en la vida
Henri Cartier-Bresson: Salerno, Italia
La segregación de la que es objeto la fotografía, el ghetto en el que ese mundo de especialistas la ha colocado, me disgustan. Los fotógrafos, los artistas, los artistas plásticos… Se tiene un sentido de la plástica, o se posee un pensamiento conceptual. Que algunos prefieran una cosa a la otra, no es mi problema. Mi problema es estar en la vida. Captar el instante en su plenitud. El pensamiento aislado no me interesa. La fotografía es un oficio manual, moverse, desplazarse… El cuerpo y el espíritu deben de ser uno solo.
Henri Cartier-Bresson: Fotografiar del natural (Editorial Gustavo Gili)
